Uma vida na arte: Jon Cone

Jon Cone é um inovador em tecnologia de impressão, mas seu primeiro amor é arte e fotografia. Falamos com ele sobre como arte e impressão ainda podem trabalhar juntas hoje.

“Pergunte a qualquer gravador sobre seu negócio de impressão e você ouvirá que é um negócio de amor”, diz Jon Cone.

“Se eles são um verdadeiro impressor colaborativo, e há algo que um projeto realmente precisa, mas o artista não pode pagar, o impressor fará acontecer porque é parte de seu amor pelo meio. Não é apenas um negócio – eles não deixarão uma impressão ficar ruim porque o artista não pode finalizá-la. O impressor a finalizará e pagará esses custos.

“Como resultado, acredito que a maioria dos estúdios de gravura de belas artes que trabalham com meios tradicionais – serigrafia, gravura e assim por diante – acham difícil continuar.”

No caso de Jon, seu trabalho criando tecnologia de impressão líder de mercado, como o sistema de impressão monocromática Piezography , ajudou a subsidiar seus esforços mais artísticos. E que esforços eles têm sido: ao longo dos anos, Jon colaborou com artistas como Stanley Boxer e Norman Bluhm, e fotógrafos como Richard Avedon e Gregory Colbert.

“Meu amor por isso começou na universidade, onde estudei fotografia e gravura”, diz Jon. “Eu me formei em 1980, no auge do boom da arte, e queria ser um mestre impressor. Consegui um emprego na cidade de Nova York, em um ótimo lugar no Soho, no sul de Manhattan, que era o centro do mundo da arte na época. Estávamos imprimindo para as principais empresas – fazíamos o excesso do Warhol Studio, Rauschenberg.”

As primeiras serigrafias que Jon produziu na universidade, usando 21 separações e tintas para criar a ilusão de uma fotografia. Crédito: Jon Cone

Escolha do papel

Aos 21 anos, Jon foi encorajado a abrir seu próprio estúdio – Cone Editions em Port Chester, Nova York. Inicialmente trabalhando com pintores abstratos e experimentando diferentes materiais e métodos de impressão tradicionais, a Cone Editions se tornou sinônimo de impressão a jato de tinta de belas artes, especialmente fotografia. Ao longo dos mais de 40 anos da Cone Edition, Jon obteve uma visão única sobre o que é necessário para impressão de alta qualidade.

“É muito desejável usar papel fosco para belas artes, mas a maioria dos fotógrafos está acostumada a imprimir em papel brilhante ou semibrilhante”, diz Jon. “É difícil fazer um fotógrafo tentar usar papel fosco para belas artes. Eles dizem que são opacos, não têm a escuridão do brilhante, mas com meu sistema Piezography, eles realmente podem”, diz Jon.

“Então é importante escolher o papel certo. Papéis realmente brilhantes podem criar uma expressão muito viva na fotografia. Papéis menos brilhantes, que são mais naturais em sua aparência de brilho, podem criar uma expressão um pouco mais introspectiva, menos chamativa, onde queremos olhar para aquela fotografia um pouco mais. O tom do papel se torna realmente importante – muito mais do que a textura ou qualidades da superfície.

“Acho que as pessoas se tornaram mais afinadas com o papel no início dos anos 2000, mas sinto que, hoje, as opções são tão variadas que a maioria dos fotógrafos simplesmente não sabe o que tentar. O papel para jato de tinta também se tornou caro, mas acho que o papel é realmente importante e, se um fotógrafo pudesse pagar por ele, deveria tentar várias opções diferentes para descobrir em que expressão ele resulta e do que ele gosta.”

Outro desenvolvimento significativo desde o início dos anos 2000 é o método de captura de imagem. Câmeras dedicadas baseadas em filme estão agora desatualizadas e imagens digitais e baseadas em telefones celulares estão sendo usadas.

“No passado, tínhamos o filme e o processo de gelatina de prata. Com a prata, as imagens escurecem muito rápido e ficam brancas muito rápido porque é assim que a prata funciona. Mas esses novos sensores em câmeras digitais e celulares são muito lineares – eles capturam o mais claro e o mais escuro muito mais facilmente do que a prata, e capturam as cores melhor. Eles são mais parecidos com o nosso olho humano e conseguem ver mais”, diz Jon. Uma serigrafia de 13 cores de Red Hill, de Wolf Kahn, impressa a partir de 13 serigrafias individuais produzidas usando um computador. Crédito: Jon Cone

“A fotografia mudou: os arquivos de imagem que podem ser impressos estão muito além do que a maioria das impressoras jato de tinta é capaz de fazer. Por exemplo, quando uma impressora Epson chega às sombras, ela escurece muito rapidamente. Mas a Piezography fica preta tão lentamente que há detalhes nas sombras nos arquivos de imagem que os fotógrafos não terão visto até imprimirem.”

Mestres de tarefas difíceis

Se a Piezography é a maior conquista tecnológica de Jon, suas realizações mais orgulhosas artisticamente são os projetos que ele imprimiu. Mas enquanto todo impressor conhece um cliente difícil, no mundo das belas-artes, as colaborações podem ser ainda mais carregadas.

“Fiquei muito orgulhoso de trabalhar com Richard Avedon, o que aconteceu pouco antes de ele morrer. Primeiro, trabalhar com ele provou ser desafiador. O projeto tinha que ser de arquivo, e era essencial que atingíssemos a gama de cores”, diz Jon.

“Eu também superei o trabalho com o próprio Richard, o que foi muito difícil. Houve dias em que eu chegava com provas que ele dizia serem realmente intoleráveis; muitas pessoas teriam dito 'Eu não posso trabalhar com ele'. Mas ele era apenas um ser humano. Ele teria seus dias bons e seus dias ruins, mas eu era capaz de passar por esse processo com ele e realmente fazê-lo feliz com o conjunto final de impressões. Eu nunca levei nada para o lado pessoal quando ele não gostava de algo em que eu poderia ter investido muito tempo. Mas foi um projeto difícil para mim concluir, então eu estava muito orgulhoso disso.”

Outro momento importante foi trabalhar com Gregory Colbert para produzir imagens para seu Ashes and Snow Nomadic Museum (veja a imagem abaixo). As impressões de Gregory Colbert foram produzidas com Piezography usando uma impressora Roland de 110” modificada para se tornar uma impressora de 12 tintas. Crédito: Jon Cone

“Voltei para Nova York por três anos para fazer aquele projeto, que envolvia impressões de 8 pés x 14 pés e um estúdio inteiro cheio de artistas e pessoas realmente talentosas trabalhando nelas”, diz Jon.

“Eu tinha um orçamento ilimitado para alterar e fazer tecnologia. O que eu produzi lá, como um gravador, foi o trabalho definitivo. Não tínhamos permissão para publicar o que tínhamos feito para aquele projeto, mas aquelas impressões foram vistas por mais pessoas no mundo do que qualquer outra exposição – 13 milhões de pessoas ao redor do mundo puderam ver essas impressões. Isso é o que é importante: você quer que seu trabalho seja visto e isso foi realmente incrível.”

Em direção ao futuro

Apesar de todo o sucesso de Jon, ele acredita que o futuro da arte e da impressão, especialmente da arte impressa a jato de tinta, pode estar se tornando obsoleto.

“Disseram-me que a classe média americana gastava cerca de US$ 5.000 por ano em arte na década de 1980. Não acredito que hoje gastem US$ 500”, diz Jon.

"Acho que a impressão a jato de tinta é agora uma mídia vintage, embora estejamos apenas no começo de seu status como uma mídia vintage. Se você olhar os relatórios financeiros de fim de ano da Epson e olhar para belas artes e fotografia, as vendas de tinta não são mais as mesmas, provavelmente por causa das mídias sociais.

“Eu realmente acredito que a maneira como a arte fina entrará nas casas das pessoas agora provavelmente será por meio de uma tela muito grande na parede. Alguém alugará a arte, e ela poderá ser baixada. Em algum momento, um dos três OEMs [fabricantes de equipamento original] deixará de fabricar impressoras de arte fina porque o mercado de impressão de escritório ou impressão de livros é muito maior do que arte fina e fotografia. Dessa forma, vejo isso como tendo o potencial de se tornar um meio vintage. Acho que vivi uma era.”

Para Jon, pessoalmente, a próxima era parece cheia de potencial e possibilidades criativas.

“Em termos da minha própria expressão artística, fui para a universidade e estudei com Arnold Gassan. Ele disse que só queria ver nossas fotografias de cabeça para baixo porque não teríamos nada interessante para comunicar a ele até que tivéssemos 60 anos.

“Aqui estou. Tenho 67 anos e definitivamente vou encontrar tempo para minha própria expressão. É o momento certo na vida. É uma idade interessante; você se sente confortável em tudo. Portanto, meu equilíbrio é poder seguir em frente fazendo mais trabalho, meu próprio trabalho. Embora, é claro, eu ainda esteja particularmente interessado em colaborar com os outros.”