Жизнь в искусстве: Джон Коун

Джон Коун — новатор в области печатных технологий, но его первая любовь — искусство и фотография. Мы говорим с ним о том, как искусство и печать могут работать вместе и сегодня.

«Спросите любого гравера о его печатном бизнесе, и вы услышите, что это дело любви», — говорит Джон Коун.

«Если они действительно являются совместным печатником, и есть что-то, что действительно необходимо для проекта, но художник не может себе этого позволить, печатник сделает это, потому что это часть его любви к среде. Это не просто бизнес — они не позволят, чтобы печатный продукт выглядел плохо из-за того, что художник не может его завершить. Печатник его завершит и оплатит эти расходы.

«В результате, я думаю, что большинству студий художественной печати, работающих с традиционными материалами — трафаретной печатью, глубокой печатью и т. д. — стало трудно продолжать работу».

В случае Джона его работа по созданию лидирующей на рынке технологии печати, такой как монохромная система печати Piezography , помогла субсидировать его более художественные начинания. И какими начинаниями они были: на протяжении многих лет Джон сотрудничал с такими художниками, как Стэнли Боксер и Норман Блюм, и такими фотографами, как Ричард Аведон и Грегори Колберт.

«Моя любовь к этому началась в университете, где я изучал фотографию и печатное дело», — говорит Джон. «Я окончил его в 1980 году на пике художественного бума и хотел стать мастером-печатником. Я получил работу в Нью-Йорке в отличном месте в Сохо, на нижнем Манхэттене, который в то время был центром мира искусства. Мы печатали для ведущих компаний — мы делали переиздание из студии Уорхола в Раушенберге».

Ранняя шелкография, которую Джон сделал в университете, используя 21 разделение и чернила для создания иллюзии фотографии. Автор: Джон Коун

Выбор бумаги

В возрасте 21 года Джону предложили открыть собственную студию — Cone Editions в Порт-Честере, штат Нью-Йорк. Изначально работая с художниками-абстракционистами и экспериментируя с различными материалами и традиционными методами печати, Cone Editions с тех пор стала синонимом струйной печати для изобразительного искусства, особенно фотографии. За 40 с лишним лет существования Cone Edition Джон приобрел уникальное понимание того, что необходимо для высококачественной печати.

«Очень желательно использовать художественную матовую бумагу, но большинство фотографов привыкли печатать на глянцевой или полуглянцевой бумаге», — говорит Джон. «Трудно заставить фотографа попробовать использовать художественную матовую бумагу. Говорят, что она тусклой, у нее нет темноты глянцевой, но с моей системой Piezography это действительно возможно», — говорит Джон.

«Затем важно выбрать правильную бумагу. Действительно яркая бумага может создать очень живое выражение на фотографии. Менее яркая бумага, которая более естественна в своем проявлении яркости, может создать выражение, которое немного более интроспективно, менее кричаще, когда мы хотим смотреть на эту фотографию немного дольше. Тон бумаги становится действительно важным — гораздо больше, чем текстура или поверхностные качества.

«Я думаю, люди стали более восприимчивы к бумаге в начале 2000-х, но я чувствую, что сегодня возможности настолько разнообразны, что большинство фотографов просто не знают, что попробовать. Бумага для струйной печати также стала дорогой, но я думаю, что эта бумага действительно важна, и если фотограф может себе ее позволить, он должен попробовать много разных вариантов, чтобы найти, какое выражение она дает и что ему нравится».

Другим важным достижением с начала 2000-х годов стал метод захвата изображения. Специализированные пленочные камеры уже устарели, и теперь используются цифровые и мобильные изображения.

«Раньше у нас была пленка и желатино-серебряный процесс. С серебром изображения очень быстро темнеют и очень быстро белеют, потому что именно так работает серебро. Но эти новые датчики в цифровых камерах и сотовых телефонах очень линейны — они улавливают самые яркие и самые темные участки гораздо легче, чем серебро, и лучше улавливают цвет. Они больше похожи на наш человеческий глаз и могут видеть больше», — говорит Джон. 13-цветная шелкография картины Вольфа Кана «Красный холм», напечатанная с 13 отдельных шелкографий, созданных с помощью компьютера. Автор: Джон Коун

«Фотография изменилась: файлы изображений, которые можно распечатать, намного превосходят возможности большинства струйных принтеров. Например, когда принтер Epson добирается до теней, он очень быстро темнеет. Но пьезография переходит в черный цвет так медленно, что в файлах изображений в тенях есть детали, которые фотографы не увидят, пока не распечатают».

Жесткие надсмотрщики

Если пьезография — величайшее достижение Джона в технологическом плане, то его самые гордые художественные достижения — это проекты, которые он напечатал. Но хотя каждый печатник знает трудного клиента, в мире изящных искусств сотрудничество может быть еще более напряженным.

«Я был очень горд работать с Ричардом Аведоном, что произошло незадолго до его смерти. Во-первых, работа с ним оказалась сложной. Проект должен был быть архивным, и было важно, чтобы мы соблюли цветовую гамму», — говорит Джон.

«Я также преодолел работу с самим Ричардом, что было очень сложно. Были дни, когда я приходил с пробами, которые, по его словам, были совершенно невыносимыми; многие люди говорили: «Я не могу с ним работать». Но он был просто человеком. У него были свои хорошие и плохие дни, но я смог пройти этот процесс вместе с ним и действительно сделать его довольным окончательным набором отпечатков. Я никогда ничего не принимал на свой счет, когда ему не нравилось что-то, на что я мог бы потратить много времени. Но это был сложный проект для меня, так что я очень гордился этим».

Еще одним ключевым моментом стала работа с Грегори Колбертом над созданием изображений для его Музея кочевников «Пепел и снег» (см. изображение ниже). Печать Грегори Колберта производилась с помощью пьезографии на 110-дюймовом принтере Roland, модифицированном для работы в 12-цветном принтере. Автор: Джон Коун

«Я вернулся в Нью-Йорк на три года, чтобы заняться этим проектом, который включал в себя отпечатки размером 8 x 14 футов и целую студию, заполненную художниками и действительно талантливыми людьми, работавшими над ними», — говорит Джон.

«У меня был неограниченный бюджет, чтобы изменять и создавать технологии. То, что я там производил, как гравер, было высшей работой. Нам не разрешалось публиковать то, что мы сделали для этого проекта, но эти отпечатки увидело больше людей в мире, чем любую другую выставку — 13 миллионов человек по всему миру увидели эти отпечатки. Вот что важно: вы хотите, чтобы ваши работы увидели, и это было действительно потрясающе».

Навстречу будущему

Несмотря на все успехи Джона, он считает, что будущее искусства и печати, особенно искусства, напечатанного с помощью струйной печати, может устареть.

«Мне говорили, что в 1980-х годах средний класс в Америке тратил на искусство около 5000 долларов в год. Я не верю, что сегодня они тратят 500 долларов», — говорит Джон.

«Я думаю, что струйная печать теперь является винтажным средством, хотя мы только в начале ее статуса как винтажного средства. Если вы посмотрите на годовые финансовые отчеты Epson и посмотрите на изобразительное искусство и фотографию, продажи чернил уже не те, что были раньше, вероятно, из-за социальных сетей.

«Я действительно считаю, что изобразительное искусство сейчас будет попадать в дома людей, вероятно, через очень большой экран на стене. Кто-то возьмет произведение искусства в аренду, и его можно будет скачать. В какой-то момент один из трех OEM-производителей [производителей оригинального оборудования] прекратит выпускать принтеры для изобразительного искусства, потому что рынок офисной печати или печати книг намного больше, чем рынок изобразительного искусства и фотографии. Таким образом, я вижу, что у него есть потенциал стать винтажным средством. Я думаю, что я прожил целую эпоху».

Однако лично для Джона следующая эра представляется полной потенциала и творческих возможностей.

«С точки зрения моего собственного художественного выражения, я пошел в университет и учился у Арнольда Гассана. Он сказал, что хотел видеть наши фотографии только перевернутыми, потому что у нас не будет ничего интересного, чтобы с ним общаться, пока нам не исполнится 60 лет.

«Вот я. Мне 67, и я определенно найду время для собственного самовыражения. Это подходящее время в жизни. Это интересный возраст; ты чувствуешь себя комфортно во всем. Поэтому мой баланс — это возможность двигаться вперед, делая больше работы, своей собственной работы. Хотя, конечно, я по-прежнему особенно заинтересован в сотрудничестве с другими».